קטגוריות
Uncategorized

מלחמת רוח-היהדות באדמה

הפוליטיקה הישראלית שלאחר מלחמת יום-הכיפורים הרגילה אותנו לזהות את היהדות המקומית (אף מעבר לחלקה הדתי-לאומי) עם האדמה, אדמת ארץ-ישראל. בעיית השטחים הכבושים וההתנחלויות לזניהן רק חידדה את הברית האידיאולוגית הזו. יש לקרוא בספרו של הפסיכואנליטיקן היונגיאני, אריך נוימן, "מקורות התודעה היהודית" (1942-1934), שראה אור זה עתה[1], על-מנת לפגוש השקפה הפוכה בתכלית, כזו המיוסדת על תורת הארכיטיפים הקולקטיביים התת-מודעים.

עוד נגיע לאמנות הישראלית. אך, תחילה, להלן תמצית מחשבת א.נוימן, פרשן התרבות המבריק ורב-ההשראה (שהתיישב בישראל ב- 1934 וחי פה עד מותו ב- 1960), שלמדנו להוקירו בעבר בזכות ספריו, "האם הגדולה"[2], "אדם ומשמעות", "פסיכולוגיית המעמקים ומוסר חדש", ועוד.

בספרו הנוכחי, נוימן מאבחן בשורש התודעה של העם היהודי "רעב לאדמת הארץ" ולאדמה בכלל: "תשוקה להיאחז בציפורניים באדמה ובפוריותה, […] להיות לעפר האדמה, לכוכבי  השמים, לחול על שפת הים…"[3]  זהו היסוד הפגאני, הנשלט על-ידי עליונות איתני-הטבע בהתגלמותו האלילית-נשית ("אימא אדמה", פוריותה ומיניותה). התודעה היהודית הקולקטיבית התת-מודעת נמשכת-מאוימת על-ידי ממד זה. ומנגד: "תפיסת העולם של דת-הנביאים מתבססת על המתח יהוה-אדמה, על הניגוד ביניהם ועל השתייכותם זה לזה."[4]

המתח בין אלוהי העברים לבין האדמה מצא את שיאו, לדעת נוימן, במעמד הר סיני: כאן "מצויה המהות של תולדות העבר ושל עתידה של היהדות", באשר כאן התרחשה הפריצה הגדולה והאימתנית (רעם, ברק, אש) של הלא-מודע הקולקטיבי, של הנומינוזי, מלווה בזעזוע נפשי קשה וברתיעה אי-רציונאלית של העם. אלוהי ישראל, כך נוימן, מרוחק מהטבע, מהאדמה: הניגוד מתגלם בהר סיני במו לוחות-הברית שבהם חקוק כתב-החוק האלוהי, החוק הנבואי: "חוק-ה' החודר ברוחו את המציאות על פני האדמה."[5] ועוד: "הנביאים מהווים את הניגוד ליהודי הנאחז באדמתיות ובעולם הזה."[6]

מנגד, פרשת עגל-הזהב האורגיאסטית היא ביטוי לקוטב האדמתי הפגאני, שבוקע מתת-ההכרה הקולקטיבית של העם, בבחינת רגרסיה נפשית שבעקבות הזעזוע של חוויית ההתגלות. סיפור ההתגלות האלוהית בהר סיני הוא אפוא סיפור של כישלון, "כֶּשל הרה-אסון [ראו המגפה וטבח 3000 מבני ישראל החוטאים/ג.ע] מאפיין את עם-הסגולה."[7]

עד כאן תמצית הרעיון הנוימני. תחילה, ברורה משמעותו הפוליטית-ישראלית: התשוקה לאדמת הארץ וקידושה – ארץ הקודש" – היא בבחינת סגידה תת-מודעת פגאנית לאלת האדמה ולכוח הפריון של האלה-האם. הסיסמה – "ארץ ישראל, תורת ישראל, עם ישראל" – היא חוט משולש הטומן בחובו פרדוקס, באשר – לפי אריך נוימן – המסר העמוק של התנ"ך הוא תשובת הנבואה לתשוקה לכנען, הבטחתה, כיבושה, ההתנחלות בה.

ברם, בדין מחויבותו העליונה של המדור הנוכחי לאמנות ישראלית, נשאל: היכן ניצבת האמנות הישראלית בסוגיית מלחמת אלוהי ישראל באדמה?

על פניה, התשובה ברורה: האמנות הישראלית היא בצד האדמה: ציורי וצילומי נוף, "עבודות-אדמה", חומריות "אדמתית" מופשטת, פיסול אבן וחימר… בין כשהיא מאשרת את "ברכת האדמה", פוריותה ומיניותה, ובין כשהיא מסמנת את "קללת האדמה" (ועל שניות זו הרחבנו לפני שנים רבות במאמר אחר[8]) – האמנות הישראלית (ובמקביל לה, השירה, הספרות והדרמה הישראליות) שבה והוכיחה את בריתה עם האדמה. ספרי האחרון על יצירת אלי שמיר ספוג לאורכו בדואליות אדמתית זו. וכל זאת, למותר לציין, בנוסף לעצם טבעו הפגאני של מדיום האמנות הפלאסטית בתור "פסל וכל תמונה".

ואולם, אל-מול התשוקה-רתיעה כלפי האדמה, מאשרת האמנות הישראלית גם את הצד האחר – צד "החוק הנבואי", אם תרצו – במו הפן האידיאי-מושגי הנלווה לאוונגרד הישראלי והמתבטא, בין השאר, באופוזיציה פוליטית רדיקלית ל"שטחים", דהיינו לכיבוש, להתנחלות וללאומנות הימנית  בכלל,  מצד מרבית אמני האוונגרד. סקירה היסטורית של התנגדות אמנותית זו הובאה על-ידי בעבר[9], ולא אחזור עליה. הגם שאין התנגדות פוליטית זו מיוסדת בגלוי על משנה תיאולוגית של "החוק הנבואי", היא בהחלט מכוננת לעומקה על תמצות של מוסר אוניברסאלי, קוסמופוליטי, שניתן לאתרו בשורש הנבואה העברית: אתוס השלום והשוויון. וגם אם הדברים נראים מעט פתטיים ו"שמאלציים" מסוג  האידיאליזם ממטבח "דור הפרחים", שאבד עליו הכלח, אין פירושם שהם נטולי אמת. ומי שיטרח בנושא, יגלה את הקשר העמוק המחבר לא אחד ולא שניים מאמני האוונגרד הישראלי, שמאז שנות ה- 60, למקורות יהודיים, כפי שיגלה את הקשר שבין חיבור זה לבין התנגדותם ליסוד האדמתי-אימהי. כזו היא "ארץ אוכלת יושביה" של מיכל נאמן; כזה הוא "אבינו מלכנו" של גרשוני" (בקשריו העקיפים לציורי החיילים); כזו היא ביקורת כיבושי יהושע בן-נון את כנען ביצירותיהם של לארי אברמסון ואלה ליטביץ; כזו היא אדמת הגולן בעבודותיהם של יהושע נוישטיין וג'רי מרקס – שניהם בוגרי ישיבה; כאלה הם ספרי האדמה של מיכה אולמן; כאלו הן עבודות העקידה הביקורתיות-פוליטיות של יגאל תומרקין, וכמובן – האדמה בעבודותיו המתריסות נגד קדושת הארץ (מצד כל הדתות האברהמיות) במחיר הדם שנשפך עליה; ואלה הם ציטוטיו של מיכאל סגן-כהן את דברי הנביאים, לרבות חזון השלום של ישעיהו. ואיך לא, הוויטראי הענק של מרדכי ארדון בספרייה הלאומית בירושלים, "וכיתתו חרבותם לאתים…"

בחלקה הגדול, האמנות הישראלית מאשרת את האדמה ומסרבת לה בה-בעת. יש, שהיסוד הפגאני גובר בה, אפילו אצל האמנים שהוזכרו זה עתה (לבטח אצל תומרקין ובציורי האישה-נוף של אורי רייזמן, מיכאל גרוס, נפתלי בזם ואליהו גת), ויש שמחריף בה הסירוב הרעיוני ל"אם הגדולה", זו המולידה והטורפת. התשוקה התת-מודעת לאדמה מפעפעת באמנות הישראלית, מגיעה לשיאה בפסלי אבן ארכאיים וחימר, אך נענית ביצירות שבסימן כתב ומושגיות המערערות על כוח האדמה.

                                *

לא קיבלתי את חלוקתה של האמנות הישראלית לארבעה היסודות המיתולוגיים (אדמה, אש, מים, אוויר), כפי שחילקה דלית מתתיהו בתערוכת "דמיון חומרי". סברתי שזוהי פרשנות שרירותית ומאלצת, ויותר מזה, שבעזרת מעט מאמץ, היא עשויה להלום כל אוסף אמנות נרחב בכל ארץ בעולם. והנה, עתה, אני בא לאמנות הישראלית עם מיתוס האדמה של אריך נוימן. נדמה לי, אכן, שבחירה באפיק אחד זה, על ניגודיו הפנימיים העזים, תואמת את האמנות הישראלית הרבה יותר מאשר הקווארטט. אף אין בה סתירה לכוח הנשי המלנכולי (שרוחו נסוכה על תערוכת "דמיון חומרי"), העונה בדרכיו למיתוס "האם הגדולה".


[1] אריך נוימן, "מקורות התודעה היהודית", תרגום: תמר קרון ודוד וילר, כרמל, ירושלים, 2022.

[2] ראו באתר-המרשתת הנוכחי מאמרי/הרצאתי באנגלית, "The Great Mother in Israeli Art".

[3] שם, עמ' 45.

[4] שם,עמ' 47.

[5] שם, עמ' 54.

[6] שם, עמ' 72.

[7] שם, עמ' 58.

[8] גדעון עפרת, "ברכת האדמה וקללתה", בתוך אתר-המרשתת הנוכחי, 23 בדצמבר 2010.

[9] גדעון עפרת, "אמני שלום בזמני קונפליקט", בתוך: "ביקורי אמנות", הספרייה הציונית, ירושלים, 2005, עמ' 554-546.

קטגוריות
Uncategorized

שתיים במכה אחת

                           שתיים במכה אחת

הללויה! כדבר הזה טרם קרה לי: שתיים במכה אחת, שתי תערוכות נהדרות תוך שעתיים באותו יום, יום שבת, 26 במארס 2022, יום שלא במהרה יישכח. בשעה 12.00 בקירוב – תערוכה מצוינת, מפתיעה, כובשת של גיא גולדשטיין, הגלריה של "ארטפורט", דרום-תל אביב (אוצרת: ורדית גרוס). בשעה 13.30 בקירוב, תערוכה מפוארת, מכובדת, איכותית מכל בחינה, של שחר יהלום ב"מובי", מוזיאון בת-ים (אוצרת: הילה כהן-שניידרמן).  

אצל גיא גולדשטיין, בקושי אפשר לזוז מרוב קהל. תסמונת יאיוי קוסמה. מן הסתם, יצא הקול. או, שפשוט, יום שבת, תל אביב, מזג-אוויר נאה. בכל אופן, התערוכה מהנה, משעשעת, מבדרת, לא פחות משהיא רצינית, מעמיקה, חכמה. תערוכה עליזה, צבעונית, רבת-אירועים מיניאטוריים, תערוכה עתירת המצאות, פטנטים והומור. ובה בעת, כאמור, תערוכה חושבת, כבדת-משקל, אספקלריה של זמננו בפרספקטיבה של 170 שנה. כי גיא גולדשטיין מזמין אותנו לחוות את גרסתו לתערוכה הבינלאומית הראשונה, שהוצגה בין מאי לאוקטובר 1851, ב"קריסטל-פאלאס" שבהייד-פארק הלונדוני: אותה "התערוכה הגדולה", בה הוצגו מוצגים ראשונים של המהפכה התעשייתית (דוגמת מכונת-קציר אמריקאית) לצד אטרקציות, כגון יהלומי  "קוהינור" הענקיים, ולצד הדאגרוטייפים הראשונים (אבות הצילום), לצד בארומטר הפועל באמצעות עלוקות, וכו' וכו' וכו', 13,000 מוצגים באינספור תחומי מדע וטכנולוגיה.

גיא גולדשטיין מזמיננו, כביכול, למרחב דומה, עתיר-מוצגים, קינטי וסטטי בה בעת: חפצים פסוודו-פונקציונאליים ממונעים ב"לו-טק", אביזרים נייחים בהרכבים אבסורדיים, מעין מעבדה מדעית מופרעת, שטוטניקית, טכנולוגיה שהשתגעה, עולם תעתועים אי-רציונאלי.

כבר פגשנו בעבר באובייקטים המטופלים, הקינטיים והווקאליים, של גולדשטיין. אך, דומה, שתערוכתו הנוכחית ב"ארטפורט" היא תערוכת הכתרה, תערוכת גילויו כאמן מהשורה הראשונה בדור הישראלי הצעיר. היותו אמן ממין זכר רק מעצימה את ההפתעה, לאחר שכמעט התרגלנו, במהלך העשור האחרון, להובלה של נשים אמניות בישראל.

אנחנו מסתובבים לנו בין אינספור המוצגים, התוקפים אותנו מכל עבר בחיוניות של ססגוניות ודינאמיות; אנחנו נעים בין המוני הגירויים החזותיים, אשר בכל אחד ואחד הושקעו עמל, כושר עיצוב מעולה ומחשבה, ואנחנו חשים, שבשורת הלם-החדש של 1851 כמו תורגמה בקריצה אל ימינו, אל הלם המהפכה הטכנולוגית-מדעית  האדירה, זו הטכנולוגית, הגֶנומית, הבין-כוכבית וכו', שאותה אין אנו חדלים לחוות בעשורים האחרונים. ואנחנו מבינים, ששנות האלפיים סחררו אותנו שלא בטובתנו לעומקה של מהומה קרקסית של מתקפת חידושים, פיתויים, שיווקים, מופעי  קסם שאין בכוחנו להבינם ושבהם אנו שבויים. תמציתה של מהומה קרקסית זו מחכה לנו בגלריה של "ארטפורט". הנה כי כן, רוח משחקית שובבה נושבת על "התערוכה העולמית 2022" של גיא גולדשטיין, מחברת את הממציא, החוקר, המדען והאמן באחדות יצירתית אחת של ילדות וצעצועים. איזה יופי!

ואז אנחנו נוסעים לבת-ים ונכנסים למוזיאון העגול ובו ממתינה לנו חוויה אמנותית שונה לחלוטין מזו שחווינו זה עתה בדרום-תל אביב: חוויה בשחור-לבן, חוויה מורבידית, כזו שרוח-אבל מנשבת בה ממבנים דמויי קבר, סרקופג ומצבה. הגענו לתערוכתה של שחר יהלום, מי שכבר צוינה בעבר במדור זה כאחת המשובחות שבאמניות הדור הצעיר. קראו מה כותבת (בין השאר) אוצרת התערוכה היפיפייה הזו:

"עבודותיה של יהלום הן מרחבי התבוננות למעברים העדינים והמתעתעים שבין התנועה לדממה, בין החי למת. עבור יהלום המוות הוא אינו דבר סטטי ומוחלט, הוא אינו חד-ממדי ואינו חד-סטרי, אלא מהות שיש להתקרב אליה במובן הפיזי ביותר, בדרך פעולתו של הקברן, זה הנמצא עם המת, מנקה את גופו, עוטף בתכריך, בונה תיבה ותבנית לפי תווי מתארו או מניחו בתוך האדמה. לעתים נדמה שיהלום היא נצר לשושלת עתיקה של קברנים. […] יהלום עוסקת – באמצעות פעולת התִבְנוּת – בהופעה של המת כפסל. […] הקברים של יהלום נבנית על גבי פסלים המייצגים את הטבעי – תן, תנשמת ערופת ראש, פרחים, אבן; […] יהלום אינה אמנית 'רוחנית', כי אם 'רוחית'."[1]

במקורם, ה"קברים" של שחר יהלום "טמנו" בתוכם תבנית פסל אנונימי של איילה, או של פסלי תנשמת, עורב, תן וכד-אפר שיצר אלון גיל (איש כליל), או זר פרחי פלסטיק, או פסלי אם וילד שיצר יחיאל שמי ז"ל, ועוד. שחר יהלום יצקה תבניות בעבור הפסלים הללו, שלאחר מכן הוצאו מהתבניות ואלה האחרונות נחתמו בגבס או בזכוכית. התוצאה היא מבנים  פיסוליים המהדהדים-משהו בצורתם את המקור הקבור-לשעבר. מעין קליפה מופשטת של מקור פיגורטיבי (שעשוי להיות גם רגליים של אמנית-ידידה, שהושכבה וכוסתה ביריעה, כ"גופה").

כיצד נבין את קבורת פסליהם של אמנים אחרים, יציקתם ושימור תבניתם? ובכן, קברנים אינם קוברים את עצמם. זאת ועוד: כל יצירת אמנות היא, מבחינה מסוימת, גוף מת, דומם, פגר, תהליך חי שקפא. שחר יהלום קוברת יצירות אמנות של אחרים כמי שקוברת את גופות האחרים. במעשה זה היא משלימה היגיון פנימי של עיסוקה האמנותי במוות. ומעל לכל, הרגישות החומרית-אסתטית. מה יש לדבר.

                              *

הידד! כדבר הזה טרם קרה לי: שתיים במכה אחת, שתי תערוכות נהדרות תוך שעתיים באותו יום. ההיו, או חלמתי חלום?


[1] הילה כהן-שניידרמן, טקסט נלווה לתערוכת שחר יהלום במוזיאון בת-ים, ללא מספור עמודים.

קטגוריות
Uncategorized

זקן ארוך לי עד ברכיים

וינסנט ואן-גוך, הדוור, 1888

ג'פרי קוטל, "האיש עם הזקן המוזר"

גידול זקן זוכה לעדנה בימים אלה, וזאת לאחר תקופה ארוכה של הדרה. צעירים מטפחים זקנם, ולאו דווקא כפיצוי לקרחת אכזרית. לפי פרסומים זרים, בצה"ל אף הוחלט לאשר גידול זקנים. במרחב האמנותי, אינספור גברים מזוקנים מוכרים לנו עוד מאז פסלי דיוקנאות ביוון העתיקה (במצרים העתיקה, הפרעונים הדביקו לעצמם זקנקנים ארוכים בקצה סנטרם), דרך איקונות קדושים מימי-הביניים ועד לזקנו המפואר של ז'וזף רולאן שצייר ואן-גוך בארל [ראו תצלום לעיל].

אפרים משה ליליין, משה, 1908

ב- 2013 פורסם בכתב-העת האנגלי, "מחקרי יהדות מודרניים", מאמר מאת חוקר פולני צעיר בשם ארתור קמצ'יצקי, "אוריינטליזם: הרצל וזקנו". כאן אני קורא, בין השאר, שהרצל הקדם-ציוני נהג לטפח פאות-לחיים בנוסח הקיסר האוסטרי, פרנץ-יוזף, אך בעקבות משפט דרייפוס, הגל האנטישמי הצרפתי והמפנה התודעתי-פוליטי שחווה, הצמיח הרצל זקן ארוך ושחור בסגנון "אשורי". בזאת, טוען קמצ'יצקי, ביקש חוזה מדינת היהודים לבטא זיקתו לשורשים האוריינטליים הקדומים של היהדות, כפי שאושרו-לכאורה בתגליות ארכיאולוגיות (בעיקר אלה של האשורולוג הגרמני השנוי במחלוקת, פרידריך דליטש, שטען להשוואת  התרבות העברית לתרבות הבבלית בסדרת הרצאותיו מ- 1902, ""Babel-Bibel). חיזוקים לאשוריות זקנו של הרצל קיבלנו, כזכור, מאפרים משה ליליין באיוריו לתנ"ך משנת 1912-1908 ובמתווה שעיצב לשטיח-חתונת-וולפסון ב- 1907.

ליאופולד פיליכובסקי, סוכות בבית-הכנסת, 1895

וילהלם וכטל, רב (פרט), תחילת המאה ה- 20

מה שונה זקנו של הרצל (אף זקנו המטופח של מקורבו, מקס נורדאו, גם זקנו המטופח של דוד וולפסון, הנשיא הבא של התנועה הציונית) מזקנם של "היהודים הישנים", כפי שצוירו רבות בציור היהודי מהמחצית השנייה של המאה ה- 19: אלה הם יהודים עבדקנים קשישים, מזרח-אירופיים (פולניים ברובם), מתפללים בבתי-כנסת, או לומדים בבתי-מדרש, רבנים ופשוטי-עם, כאלה שמופיעים גם בתפקיד "היהודי הנודד" (ברישומים ובקריקטורות של פיגורה מיתולוגית זו, הזקן מתארך מאד), או שמיוצגים כפליטים, כל זאת בציוריהם של ליאופולד פיליכובסקי, מאוריצי גוטליב, מאוריצי מינקובסקי, שמואל הירשנברג, וילהלם וכטל ועוד. הזקן המאפיין את יהודי הציורים הללו אינו מטופח, אלא צומח פרא ונפרש על החזה באורך שונה. וראו, לדוגמא, ציור המתפללים של פיליכובסקי מ- 1895, או דיוקן הרב (פרט) של וכטל מתחילת המאה ה- 20. החברה החרדית הקשישה בישראל ממשיכה במסורת זו וכאלה ייצוגיה האמנותיים  (וראו, למשל, את "מרקדים במירון" של ראובן רובין מ- 1924, או את חיתוך-העץ של יעקב שטיינהרדט מ- 1938, "שמחת תורה").

גוסטב דורא, היהודי הנודד, 1856
יעקב שטיינהרדט, שמחת תורה, 1938

אך, מה קורה לזקן עם הולדת "היהודי החדש"? הוא מקוצר מאד ואפילו מגולח כליל. השוו ייצוגי הבן והאב הזקן המצוירים יחדיו (אמיל רנצנהופר, תעודת"ספר-הזהב", 1902; או: יוסף בודקו, חיתוך-עץ, 1935). ובעיקר, התבוננו בייצוגי החלוצים בכרזות התנועה הציונית: עם כובע-קסקט אן עם כובע-תיתורת, החלוצים זקנם קצרצר מאד, או שפניהם חלקים, שזופים, עזי-מבט ונחישות.

י
וסף בודקו, וראו כל אפסי ארץ, 1935

אלה הם כבר ימי השחרות של "בצלאל". למייסד-המנהל, בוריס שץ, זקן שילך ויתארך ברבות הימים והצרות. בפסליו ובתבליטיו – "מתתיהו", "ירמיהו", "המשיח" ועוד – ליהודים המיתולוגיים זקן לבן וארוך למהדרין. ברם, לא אלה עיקר הזקנים של "בצלאל": כי רוב המזוקנים פה הם יהודי המזרח, קבצנים קשישים שהוסבו לתפקידים תנ"כיים, או סתם "טיפוסים" ירושלמיים קשישים – כורדיים, תימניים וכו', אשר מורי ותלמידי המוסד מרבים לייצגם. כך שמואל בן-דוד, מאיר גור-אריה וכו'. אך, איש מכל אלה לא יכול היה להתחרות בזקן האינסופי שהעניק ב- 1923 אבל פן ה"בצלאלי" לנוח התנ"כי (בסדרת הדפסי "בראשית").

בוריס שץ, דיוקן עצמי, 1930 בקירוב
מאיר גור-אריה, יהודי מזרחי, שנות ה- 20, מאה 20.
אבל פן, נוח, 1923

אצל הדור הצעיר (צברים ועולים כאחד), הדור הגדל בארץ ומתגייס למאבק הלאומי, הזקן הפך נדיר יותר ויותר (גם אלה שזכו אצלנו לכינוי "הזקן" – יצחק שדה ודוד בן-גוריון – לא גידלו זקנים). הוא יחזור בתש"ח, בקרבות מלחמת-השחרור, בין אם בייצוגי פלמ"חניקים (ראובן רובין, "פלמ"חאי", 1948; יחיאל שמי, "ראש לוחם", 1948 בקירוב) ובין אם בהופעה שסיגלו לעצמם חלק מלוחמי "שועלי-שמשון": זקנקן קצר, תנ"כי. ראו ערך אורי אבנרי. הדים מאוחרים לאלה נאתר אצל צנחנים אגדיים דוגמת "קצ'ה" (מיחידת 101), "ירמי" (מפעולות-התגמול) או אהרון דוידי.

יחיאל שמי, ראש לוחם, 1948 בקירוב

לאורך עשרות שנים, הודח הזקן ממעמדו במופע הישראלי. רק בשנות האלפיים שב שיער-הפנים למחוזותינו וידע עדנה. האם היו אלה געגועי אלי שמיר ועליזה אורבך למופת של דור החלוצים, שעה שנמשכו לייצוג דמותו המונומנטאלית, לרבות זקנה הארוך, של אליהו עמיצור? כלום הייתה זו הכרה אירונית בהיעלמותו תרבותו של דור המייסדים, כאשר רועי רוזן הדביק זקנים לקולגות מ"המדרשה" וצילמם במסורת צילומי "הוועד האודסאי"? או, שמא הייתה זו פשוט אופנה שחזרה ומצאה ביטויה, למשל, בציורים ריאליסטיים של דיוקנאות (עצמיים ואחרים) של דוד ניפו, ארם גרשוני, הדי בן-נון, מוניקה לוי ואחרים?

רועי רוזן, 2004
הדי בן-נון, דיוקן-עצמי, 2021

כך או אחרת, עתה, בשנות האלפיים, הפך הזקן למושא גנדרנות היפסטרי כפי שלא היה מעולם. ביחד עם השפם המשומן וזקוף-הקצוות, הקיצוץ הנכון של הזקן, שימונו, מריחתו במשחה, תדירות חפיפתו, הסירוק וההברשה הנכונים – מלאכת גידול הזקן שילבה יחדיו  נראות אסתטית עם יתרונות ביולוגים. ככתוב במרשתת:

"…גברים עם זקן נתפסים כבני זוג טובים יותר, או מועמדים איכותיים יותר לאבהות. יש מחקרים שאף מוכיחים, שככל שהזקן שלך ארוך יותר, כך נשים תופסות ממך כגברי יותר וחכם יותר."

אז, לְמה אתה מחכים?!

קטגוריות
Uncategorized

המינימליסטים הראשונים שלנו

בבית-האמנים בתל אביב אצרה אירית לוין תערוכה (טרם ראיתיה) של אהוד פקר (2016-1928). פקר, שפגשתיו פעם אחת בלבד בשחר שנות ה- 70, כמדומני, בצריף של רפי לביא ברמת-גן, נמנה בשנות ה- 70 על חוג לביא, אף כי בלט בחריגותו האמנותית. כי פקר היה מינימליסט-גיאומטרי פונדמנטלי, אמן שלא התפשר על פחות מרציונאליזציה מתמטית מושלמת ומוחלטת של פרופורציות, צורות ונפחים. ב- 2014, עם הצגת פסלו (המשוחזר) מ- 1972-1970 – "הגדרת הפירמידה" (צמד מנסרות, עשויות דיקט צבוע לבן, אשר חוט מתוח לאורכן ובקצהו משקולת – ראו תצלום לעיל) בתערוכת אוסף מוזיאון תל אביב (התערוכה, שנאצרה אז בידי אלן גינתון, הוחלפה לאחרונה) – הומחשה מאד דבקותו הרדיקלית והאינטליגנטית מאד של פקר בגיאומטריה ובמתמטיקה של החלל. לפחות מבחינה זו של יושרה אמנותית אדוקה, אין ספק שראוי אהוד פקר לכבוד. במקביל, תערוכה וקטלוג (שחזור  החוברת/ספר-אמן של פקר) – "אהוד פקר: הגדרות ומצבים, בין הפשוט לנשגב – עבודות משנות ה- 70" (מוזיאון תל אביב, 2014) הוכיחו ביתר-שאת את כוחו וייחודו של האמן הנשכח הזה, שהצטיין בהיחבאות אל הכלים. כתבה אלן גינתון בקטלוג בהקשר ל"הגדרת פירמידה":

"הפסל אינו אלא תשליל של פירמידה. הוא המרחב, החלל, שבין שתי המנסרות ובין הקו הדמיוני שמייצג החוט המתוח מעל מקצוע המנסרה העליון שהפירמידה הוחסרה ממנה. הפסל מייצג את הפירמידה באמצעות הצבעה על היעדרה."

אהוד פקר (שהציג תערוכה ראשונה ב- 1969 בבית-האמנים בתל אביב) לא היה ראש וראשון למינימליזם הגיאומטרי בישראל, אף לא ראש-גשר לדואליות של מינימליזם ומושגיות שלבלבו אצלנו בשנות ה- 70. אם להתעלם מגילויים קונסטרוקטיביסטיים מוקדמים מאד (מרסל ינקו, 1918 בקירוב) ושאר ציורים מופשטים-גיאומטריים מוקדמים (אברהם נתון, שנות ה- 60-50, או שלמה ון דן ברג, שנות ה- 60), די אם נזכיר את ראובן ברמן (קדים), את קלמן הק, את אהרון דוקטור ואת אהרון ויתקין, שנשכחו ברובם כליל. הללו אתגרו – כבר במחצית שנות ה- 60 –  את המגמה האמנותית הישראלית האנטי-רציונאליסטית בעבודותיהם השכלתניות, הנזיריות והספוגות בלא-מעט חשיבה "לוגית". ועוד נזכיר את מנשה קדישמן, בוקי שוורץ, עזרא אוריון, שמשון מרחב ויחזקאל ירדני, שבגרו (חלקם, בתחילת שנות ה- 60, חלקם בסופן – מרחב ואוריון, ויוזכר גם בני אפרת) את בית-הספר לאמנות "סיינט-מארטין" שבלונדון ויצרו קונסטרוקציות מופשטות גיאומטריות, צבועות לעתים.

הזיכרון האמנותי שלנו קצר מאד, ומי שהיו בולטים ונחשבים ב"תערוכות-הסתיו" של שנות ה- 60 נמחקו מתודעתנו וכיום הם "שוכני עפר" באי-אלה מחסני מוזיאונים בתל אביב ובירושלים.

ראובן ברמן (קדים), 1967

ב- 1984 אצר ראובן ברמן במוזיאון חיפה תערוכה קבוצתית בשם "הרכיב הרציונאלי ביצירותיהם של אמנים ישראלים". 25 אמנים ערערו כאן על ה"אקסיומה" האכספרסיוניסטית-לירית כמאפיינת הבלעדית את האמנות המקומית. משום מה, שמו של אהוד פקר נעדר בתערוכה החיפאית. ראובן  ברמן כתב כאן, בין השאר:

"על אף פעלתנותה ופוריותה המדהימות – וחסרות הפשר – של האמנות הישראלית, קיים שטח מת בשדה-הראייה שלה וזאת עקב סירובה העיקש להעניק בפה מלא תפקיד כשר ובעל חשיבות לחשיבה ולשיטות רציונאליות ומוסכמות […]. ההנחה כי קיים סדר כלשהו ביקום, בטבע, היא הנחה לא פחות סבירה מכל הנחה אפשרית אחרת. למעשה, אין היקום ניתן לתפישה באמצעות מוחותינו מחפשי-הסדר, שלא בתור מערכת-על עצומה וסדורה בהיררכיה. […] המתמטיקה, אותו אמצעי המשמש לפענוח, ניסוח ואימות של  חוקי הטבע, ובמיוחד הגיאומטריה, […], עשויות שתיהן להיעשות בידי הפילוסוף או האמן, מטפורות לסדר אוניברסאלי."

קלמן הק, 1965

אחד האמנים הוותיקים, שהוצג בתערוכה החיפאית, היה קלמן הק (יליד 1921, שעלה ארצה מדרום-אפריקה ב- 1946 וזכה פעמיים ב"פרס דיזנגוף" מטעם מוזיאון תל אביב, ב- 1966 וב- 1969). ב"תערוכת-הסתיו" של 1966 ("ביתן  הלנה רובינשטיין", תל אביב) הציג הק 3 ציורים מינימליסטיים-גיאומטריים (בצבעי פוליויניל על בד) – "קונפיגורציות משולבות", "קונסטלציות" ו"צורה מאונכת (מוקדש לזנון)". ב"תערוכת הסתיו" של 1970 הציג שתי עבודות מופשטות-גיאומטריות על בד. עתה גם בלט עודד הלחמי – גם הוא בוגר "סיינט-מארטין" הלונדוני, 1968 – בפסלי הנירוסטה המופשטים-גיאומטריים שלו. ב- 1984, בקטלוג התערוכה במוזיאון חיפה, פרסם קלמן הק טקסט קצר שכתב שנתיים קודם-לכן ובו, בין השאר:

"…ב- 1965 לערך נמשכתי אל האפשרויות הטמונות בממצאים אחדים  של פסיכולוגיית התבנית והתפיסה. התעניינותי  התרחבה וכללה גם נושאים אחרים הקשורים למדע ואלה נטמעו בתוך מסכת הרעיונות והרגשות, שהולידו את הציורים שלי. […] רציתי להגיע לאפקט מחמיר ובמידת-מה היפנוטי, תוך כדי שימושים משלי בסגנון הדיאגרמטי הפשוט הנהוג באיורים של חומר מדעי וטכנולוגי."

בתערוכה כפולה שאצרתי ב- 1989, "1967 – האמריקניזציה של האמנות הישראלית", הצגתי גם ציור מופשט-גיאומטרי  של קלמן הק מ- 1967 בשם "אדום". לצערי, מחמת מגבלת תקציב, הקטלוג לא כלל תצלומים, כך שאין בידיי להראות את העבודה. באותה תערוכה הצגתי גם ציור-תבליט מופשט-מינימליסטי-גיאומטרי של אהרון ויתקין (אקריליק על בד, 1966, אוסף מוזיאון  ישראל). גם עבודה זו אינה מתועדת.

אהרון ויתקין (1999-1934), שנעדר מהתערוכה הקבוצתית במוזיאון חיפה, נולד אף הוא – בדומה לקלמן הק – בדרום-אפריקה ועלה לישראל ב- 1963. ב- 1966 זכה ב"פרס איקה בראון לאמן צעיר" מטעם מוזיאון ישראל, ובאותה שנה נטל חלק בשתי תערוכות של קבוצת "עשר פלוס": "בדי אופנה" ו"עבודות גדולות". ההפשטה המינימליסטית שלו נעה אז בין גיאומטריה לבין תצורות אורגאניות. ב- 1967 השתתף בתערוכת "מבוך" – 7 אמנים שיצרו יחדיו במוזיאון ישראל "סביבה אל-פונקציונאלית" (כהגדרת האוצר: יונה פישר). ב"תערוכת-הסתיו" השנייה, ב- 1966, הציג אהרון ויתקין 3 ציורים מינימליסטיים-גיאומטריים באקריליק על בד. עתה, בלטו כאן גם זיוה ליבליך, מנשה קדישמן ובוקי שוורץ בעבודותיהם המופשטות-גיאומטריות.

אהרון דוקטור, 1965

אהרון דוקטור (יליד 1924, מי שגם שימש בסוף שנות ה- 60 מורה לפיסול במכון לאמנות בבת-ים) הציג ב"תערוכת-הסתיו" הראשונה, 1965, 2 עבודות גדולות מברזל, האחת – "חוד" (2X3 מ'), והשנייה – "מעגל" (3X1 מ'). זו גם הייתה התקופה בה נטה יצחק דנציגר לפיסול מופשט-גיאומטרי. ב"תערוכת-הסתיו" השנייה הציג אהרון דוקטור עבודת ברזל ונחושת מינימליסטית בשם "השמש" (280X260 ס"מ), ואילו ב"תערוכת-הסתיו" של שנת 1969 הציג פסל ברזל צבוע בשם "ציקלואיד" (שפירושו צורה גיאומטרית המתארת מסלול של נקודה קבועה על גב מעגל המתגלגל על קו ישר).

אהוד פקר פסע, אם כן, באמנותו, על שביל כבוש-למדי באמנות הישראלית, הגם שלא היה מחובר בכל דרך שהיא לשביל זה והגם שהשביל היה נתיב צדדי בסצנה המקומית.

קטגוריות
Uncategorized

מחוות אמנים לגרשוני

ב- 1870 צייר אנרי פאנטן-לאטור ציור ריאליסטי בשם "סטודיו בבאטיניול", המוכּר יותר בשם "הומאז' למאנה". בציור נראה אדוארד מאנה יושב ומצייר דיוקן, שעה שסביבו ניצבים אמנים אימפרסיוניסטים, בהם אוגוסט רנואר, קלוד מונא, פרדריק באזיל, הסופר אמיל זולא ואחרים. 6 שנים קודם לכן (שנה לאחר מות הצייר, אז'ן דלקרואה), צייר פאנטן-לאטור ציור בשם "הומאז' לדלקרואה": כאן, ניצבים כנגד ציור דיוקנו של האמן הרומנטי הדגול, עשרה אמנים, בהם אדוארד מאנה, ג'יימס וויסלר, הסופר שאמפלרי, המשורר בודלר, ונוספים.

ז'אנר ה"מחווה ל…" מוכר, אכן, מתולדות האמנות. אמנים יצרו מחוות לאמנים אחרים, בין אם כשציירו את דיוקן האמן הנערץ, בנוסח פאנטן-לאטור, ובין כשציירו פרפראזה על ציורי קודמיהם הנערצים (כגון, פיקאסו המצייר בעקבות "בנות-הלוויה" של ולאסקז). אפילו קריעת תמונתה מרלין מונרו (ציורו של אנדי וורהול) מלוח-מודעות, 2000, אפילו היא עשויה להיקרא על-ידי האמן האיטלקי, מימו רוטלה, "מחווה לוורהול". בישראל, אנו זוכרים את "מחווה לבויס", תצלום מ- 1973, שאינו נטול-אירוניה, בו כורע דוד גינתון ברך מול דלת ביתו של יוזף בויס בדיסלדורף. סדרת אחור̤י-ציורים שצייר גינתון בעשורים האחרונים גדושה, בין השאר, במחוות של הערכה ועניין (כגון, ציורי גב-ציורים של אריה ארוך ורפי לביא מאוסף מוזיאון תל אביב).

אני מבקש לכתוב על מחוות מסוג אחר, מחוות של אהבה, של ואל משה גרשוני.

גרשוני שב וביטא בציוריו מחוות אישיות לאמנים שהיו יקרים לליבו. אם לא הניח זר-פרחים על קברו של ון-גוך, או אם לא פנה בכתב אל מארק רותקו המת, וכו', כי אז רשם בציוריו את שמותיהם של אביבה אורי, יחזקאל שטרייכמן, רפי לביא, הנרי שלזניאק ועוד. יש שרשם את שמם בעיפרון בשולי הציור (ואף כיסה בצבע אדום) ויש שרשם את שם-האמן(ית) באותיות גדולות במרכז הציור ("אביבה אורי", 1979). יש אומרים, ש"יצחק יצחק" מ- 1982 התייחס, בין השאר, ליצחק דנציגר. כך או אחרת, גרשוני הוא, כמדומני, האמן הראשון והיחיד בישראל שביטא בציוריו מחוות מילוליות ישירות לאמנים ישראלים. יגאל תומרקין, למשל, הירבה להתייחס ולציין ברישומיו שמות של אמנים שונים, אך כמעט כולם לא מכאן (מרביתם מגרמניה). ובמידה שציין שמות אמנים מקומיים (נוישטיין, למשל), היה זה בעיקר בהקשר פרודי.

אמנים ישראלים ציירו קולגות קרובים ללב (איוון שוובל צייר את אורי ליפשיץ); אמנים ישראלים ציירו וריאציות על ציורי קולגות (יאיר גרבוז, 2003-2002). גם אין לשכוח, כמובן, את חוברת "המדרשה" מס' 2, שפורסמה ב- 1999 וכולה "בקשר לרפי", ובה טקסטים רבים (בין השאר, של אמנים) בזכות המורה האגדי. אך, גם כאן, נדירות היו יצירות אמנות שנשאו את שמו של האמן האהוב (וזכור הצילום שצילמה מיכל היימן את דלת דירתו של רפי לביא).

גרשוני בלט בהצהרות האהבה שלו לקולגות, ומכאן – רק טבעי, שלא אמן ישראלי אחד ולא שניים, חשו רצון לבטא אהבתם לו, שעה שיצרו יצירות-מחווה, חלקן עוד בחייו, חלקן לאחר מותו.


צילום: סמדר שפי (?)
צילום: סמדר שפי (?)
צילום: סמדר שפי (?)

ההקשר הבולט ביותר בו נוצרו יצירות-מחווה לגרשוני היה ב- 6 במאי 2017 (כלומר, כחצי שנה לאחר פטירתו), באירוע בשם "בדרך למצר-מייסר", שהתקיים בחממה שבקיבוץ עין-שמר (ואורגן על-ידי אביטל ועתר גבע). עבודות-המחווה [ראו ארבעה התצלומים לעיל], כללו מיצגים, עבודה סביבתית וציורים: קובי גרוסמן, מוזיקאי מעין-שמר, זימר את "יד ענוגה", השיר (של זלמן שניאור ללחן עממי בדואי) שגרשוני זימרו מאז 1975. מחוץ לחממה, זהרה כתובת-אש עם המילים "מי ציוני ומי לא" ("ומי לא – בכתב-ראי משמאל לימין) – מחווה לכתובת שגרשוני רשם ב- 1979, הן על נייר והן על קירות גלריה "ג'ולי מ.". לא רחוק משם, מיכה אולמן חפר בורות בתבנית המילים "אני בא", שמאזכרות את ציורי גרשוני מהשנים 1982-1980 ובהם, בין השאר, שתי המילים הללו הפונות אל "חייל יפה". בתוך החממה תלתה הדר גד ציורים מופשטים, אדומים כדם, כאדומי ציוריו של גרשוני מהשנים 1983-1976. על פסנתר-כנף ישן, שניצב בסמוך, הציבה שלט ועליו מודפס: "והבד גם לבן מבפנים (2017-2013)" – תשובתה לכמה עבודות-נייר מפורסמות של גרשוני מ- 1970, שבהם רשם – "הנייר לבן מבחוץ, אבל מבפנים הוא שחור". ועוד תצוין עבודת הפרפורמנס של הדס עפרת, מחווה לציורי הרקפות של גרשוני משנות ה- 80-70: לאחר ישיבה והחתמת כפות רגליו בראשי-התיבות של שמו, נעמד עפרת והרכיב פקעות-רקפות על איברים שונים של גופו, ולבסוף, נטע את רגליו בתוך בור, כיסה בעפר, ונותר במצב זה עד רדת החשיכה.

אך, מוכרות גם עבודות-מחווה לגרשוני, שנוצרו עוד בחייו:

רפי לביא, משה משה, 2003 (פרט)

ב- 2003, למחרת ההכרזה על זכיית גרשוני ב"פרס ישראל" (והביטול מחמת סירובו של האמן ללחוץ את ידי המנהיגים), יצא כתב-העת "סטודיו" בחוברת-מחווה. כאן הודפס, בין השאר, (בשחור-לבן) ציור של רפי לביא, בו ענה לציורי "יצחק יצחק" הנודעים של גרשוני במילים "משה משה", הרשומות במכחול "גרשוניי" על גבי רפרודוקציה של "עקידת-יצחק" לרמברנדט.

ב- 2013 צייר שי יחזקאלי ציור-בד קטן, כתם ירוק שעליו רשם בדיו – "אותה בעיה של הציור", ומתחת למילים הוסיף פרצוף-בולבוס המסמן טמטום. הציור מהווה פרפראזה ברורה ומודעת על ציורו המפורסם של משה גרשוני מ- 1977 (שנת עליית הימין לשלטון), נייר בגודל 21 18.5xס"מ, קרוע בחלקו הימני, צבוע כולו באדום במשיחות מכחול מהירות ואגביות, שעליהן נרשמו בעיפרון המילים: "הבעיה של הציור היא הבעיה הפלשתינאית". במאמר שפרסמתי כאן ב"המחסן…" כתבתי:

" שלושים ושש שנים מאוחר יותר, בא אמן צעיר, שבעבורו גרשוני הוא קלאסיקה ישראלית של אוונגרד אמנותי ופוליטי, ויוצר את ציור המחווה שלו לציור ההוא. עתה, שלטון הימין נראה נצחי וחזק מתמיד, ואילו השמאל מכווץ, מדולדל ותשוש-כוחות יותר מאי פעם. אחרי שתי אינתיפאדות ושיחות-סרק מדומות בנושא שלום ישראלי-פלשתינאי – נגוזה התקווה ואבד האמון במהלכי השלום-לכאורה של ממשלת ישראל. במקביל, האמנות הישראלית, רובה ככולה, נואשה, הן מהניגוח הביקורתי והן ממבע החלומות האוטופיים על אודות מזרח-תיכון אחר. על רקע כל הנתונים הללו בא שי יחזקאלי ואומר לנו בציורו, שעדיין הבעיה היא 'אותה בעיה של הציור', משמע – ששום דבר לא השתנה מאז שנת  1977."[1]

ב- 2021 צייר ישראל קבלה את ציורו, "אהובה עוזרי", ה"מתכתב" בעליל עם ציורו של גרשוני מ- 1979, "אביבה אורי". בעקבות הצגת ציורו של קבלה בתערוכת "פקעת", מוזיאון תל אביב, 2021, כתב אלברט סוויסה (בין השאר) על הציור כמחווה למוזיקה המזרחית המודרת בישראל, והוסיף:

"מצד אחד, על פי דברי קבלה בטקסט אבל גם על פי הביטוי הרגשי העז של הציור, מדובר ביחס אישי מיוחד מאוד של קבלה לאהובה עוזרי, מצד שני זו אהובה עוזרי, שכל מה שעליך לעשות הוא לבטא את שמה בפיך ולשוט, ולהפליג מעבר לחוויה האישית של קבלה. שכן הציור הוא ציור של שם, של תמצית השארית שמתרוממת מעל לכל ייצוג ויזואלי מגביל, ציור אותיות כפול ועז, חומרי, מרוח, סוער, כמעט מאגי. אתה פשוט מותח קו מגרשוני, עבור באביבה אורי ועד אהובה עוזרי/קבלה, ונעצר כאן. נעצר?! איך אפשר, בפקעת אין תמרורים וגם לא רמזורים… "[2]

ואחרונה חביבה: רחי שמיר, אמנית מירושלים, יצרה ב- 2021 מיכל עשוי חומר, שעליו ציירה שתי "עיניים" גרשוניות[3] ורשמה/חוררה את המילים "בדם ליבי" באותו אופן שנרשמו/נוקדו המילים בידי גרשוני בציורו מ- 1976. כזכור, גרשוני גם צייר על כלי חרס.

אם כן, תשע עבודות-מחווה למשה גרשוני. אולי ישנן עוד, איני יודע. אם אדע, אוסיף. הנה אחת, שמגיעה אליי ממש כרגע: כתובת-קיר באדום שכתב לארי אברמסון ב- 2017 בעין-שמר, במהלך אירוע אמנותי: "מי בן אדם ומי לא".

כן, לא מעט אמנים הושפעו מאמנים אחרים והוכיחו זאת ביצירותיהם; לא אחת, אמנים התייחסו באמצעות דימוי כמחווה לאמן אחר: לארי אברמסון לקופפרמן, רפי לביא לאריה ארוך, בועז ארד (בפסל) לאריה ארוך, ועוד. אך, תשע עבודות-המחווה הנ"ל שונות: כי, מעל ומעבר להערכה האמנותית, הן עונות לאמן באהבה.


[1] גדעון עפרת, "הבעיה של הציור", באתר-המרשתת הנוכחי, 13 במאי 2015.

[2] אלברט סוויסה, "משל העץ והפקעת", "ערב-רב", 10 בספטמבר 2021.

[3] ראו: גדעון עפרת, "העיניים והפה של חנה ומשה", באתר-המרשתת הנוכחי, 20 במארס 2022.